Aug 25, 2014
seeing4
..
우리는 미술이 아니라고 주장하는 엄청난 수의 이미지들이 만들어지고 있는 시대에 살고 있습니다. 그 이미지들은 훨씬 더 의심스럽습니다. 그것들은 사실이라고 주장하기 때문입니다.
-그렇지만 사진은 사실을 보여주지 않습니까?
우리는 사진이 궁극적으로는 실제라고 생각하지만 그렇지 않습니다. 카메라는 기하학적으로 대상을 보기 때문입니다. 우리는 그런 방식으로 보지 않습니다. 부분적으로는 기하학적으로 보지만 또한 심리적으로 보기도 합니다. ..
-그렇다면 주관적이고 심리적으로 본다는 말씀입니까?
그렇습니다. 지금 당신의 얼굴을 보고 있으면 내 시야에는 당신의 얼굴이 훨씬 더 크게 보입니다. 내가 당신에게 집중하고 있고 그 밖의 것들에는 집중하지 않기 때문입니다. 하지만 내가 조금 움직여 저쪽을 바라보면 당신의 얼굴은 작아집니다. 그렇지 않은가요? 눈은 마음의 일부분이지 않습니까? 이집트 회화에서 파라오는 다른 이들보다 세 배 이상 더 큽니다. 한 고고학자는 파라오 미라의 길이를 측정한 뒤 파라오가 평균적인 시민에 비해 더 크지는 않았다고 결론 내렸습니다. 그러나 이집트 인의 마음속에서는 파라오가 실제로 더 컸습니다. 어떤 면에서 이집트의 회화는 진실합니다. 그러나 기하학적 측면에서는 아니지요.
-시각 장애인이 만든 인체 모델도 그렇습니다. 그 모델을 만들 때 시각 장애인들에게 보다 중요한 부분은 더 돌출되어 있습니다. 얼굴과 손이 그 예입니다.
피카소가 나폴리에 가서 '파르네제의 황소'를 보았을 떄 형상들의 손이 실물보다 더 크다는 점을 알아챘습니다. 그 인물들의 행위 때문에 그렇게 표현된 것입니다. 피카소는 손이 거대한 발레 무용수들을 그렸는데, 매우 우아하고 가벼워 보입니다. 피카소는 무용수들이 그와 같이 움직일 때 보는 사람은 그들의 손을 좇아가게 되고, 따라서 보는 이들에게는 손이 더 커보인다는 점을 이해했던 것입니다.
From <The trap of naturalism>, Conversation with David Hockney, Martin Gayford
-사람들이 흔히 말하는 '원근법', 그러니까 15세기 초 피렌테의 필리포 브루넬레스키가 발명했다는 선원근법에 대해서는 어떻게 생각하십니까?
선원근법은 광학의 법칙입니다. 따라서 브루넬레스키가 그것을 발명했다고 할 수 없습니다. 로버트 보일은 보일의 법칙을 발명하지 않았습니다. 그는 존재하는 것을 그저 묘사했을 따름입니다. 과학 법칙은 발명되는 것이 아닙니다. 발견되는 것이지요.
-일점소실 원근법으로 제작한 회화에서는 보는 이가 자동적으로 작품 밖에 존재하게 된다는 말씀인가요? 고정된 점에서 그려지기 때문에 보는 이 역시 마찬가지로 고정된다는 뜻입니까?
그렇습니다. 너무 고정되고 맙니다.
-그렇다면 '올바른' 원근법과 같은 것은 없겠군요.
네, 물론 없습니다. 없고 말고요.
From <The problems of depiction>, Conversation with David Hockney, Martin Gayford
seeing 3
..사진은 이런 일을 할 수 없다는 사실을 잘 알고 있습니다. 다시말해 사진은 이와 같은 방식으로 당신에게 공간을 보여줄 수 없습니다. 사진은 공간이 아닌 그저 표면만을 봅니다. 그러나 공간은 표면보다 훨씬 신비롭습니다. 내 생각에 최종 작품은 보는 이에게 그곳에 존재한다는 감각을 일깨워 줄 것입니다.
.. 모네는 당신이 보다 열정적으로 살피도록 만듭니다. 반 고흐 역시 그렇습니다. 그는 당신이 주변 세계를 보다 열정적으로 살피도록 만듭니다. 그리고 우리는 그처럼 주변 세계를 보는 것을 즐깁니다. 적어도 저는 그렇습니다.
-그렇다면 당신은 시각 예술의 목적 중 하나가 바라보게 하는 것, 주의를 집중하게 만드는 것이라고 생각하는 거군요.
나는 그점을 좋아합니다 그림은 그림에 영향을 미치지만, 우리로 하여금 그렇지 않으면 보지 않았을 것들을 볼 수 있게 해줍니다.
-생물학적인 측면에서 볼때, 본다는 것의 핵심은 전적으로 현실적인 것이라고 생각합니다. 즉 먹을 수 있는 것을 발견하게 해주고, 잡아먹히지 않도록 해줍니다. 그렇지만 미술은 그와는 다른 것과 관련이 있습니다. 미술은 그 자체를 위한, 즐거움을 위한 비현실적인 관찰인 것입니다.
나는 언제나 바라보기로부터 강렬한 즐거움을 얻습니다. ... 하지만 일찍부터 나는 모든 사람들이 그렇지는 않다는 점을 깨달았습니다. 댑분의 사람들이 실상 그들 앞에 놓인 땅을 대충 훑어볼 뿐이라고 생각했습니다. 길이 분명하고 앞으로 나아갈 수 있는 한 사람들은 다른 어떤 것에도 신경을 쓰지 않습니다. 보는 것은 매우 긍정적인 행위입니다. 당신은 신중하게 그 행위를 해야합니다. ...
-시각적인 즐거움에 대해 말하자면, 반 고흐와 고갱은 거의 성적인 것에 가까운 즐거움에 대해 관심을 가졌습니다. 보는 것의 즐거움에 대해 쓰면서 반 고흐는 '오르가즘'을 의미하는 프랑스 어를 사용한 바 있습니다.
예전에 비디오 게임 하나를 보았습니다. 계속해서 사람을 죽이는 게임이었습니다. 한동안 그 게임을 지켜보았습니다. 그러고 나서 그것이 전혀 실제와 같지 않다고 결론 내렸습니다. 만약 현실에서 주변에 총을 든 적이 있다면, 당신의 눈은 매우 활발하게 움직이고 아주 작은 움직임이라도 탐색할 것입니다. 주변을 살피는 당신의 시야는 매우 예리해질 겁니다. 베트남전에 참전한 미군들이 '음탕한 눈(eye-fuck)'이라는 것에 대해 이야기한 적이 있습니다. 그들은 움직일 때 이쪽 저쪽 작은 잎사귀의 미세한 흔들림마저 눈으로 열심히 계속해서 좇아야 했습니다. 가능한 한 많은 것들을 눈여겨보면서 말입니다. 그들의 삶에서 강렬한 시선으로 무언가를 바라보는 경험을 한 유일한 시간이었을지도 모릅니다. 나느 '음탕한 눈'이라는 용어를 좋아했습니다. 눈이 극도의 쾌감을 느낄 수 있다는 것을 말해주기 때문입니다.
<Seeing more clearly>, Conversation with David Hockney, Martin Gayford
seeing 2
몇년 전 터너 상 수상자인 제레미 델러가 "우리가 말을 타고 출근하지 않듯이 요즘 미술가들은 그리지 않습니다"라고 말했을 때 굉장히 충격을 받았습니다. 그 말을 확대해서 내 작업실 벽에 핀을 꽂아두었습니다. 내 생각에 분명 그는 사진이 회화를 대체했다고 생각하는 것 같습니다. 많은 사람들이 그렇게 생각합니다. 하지만 나는 사진이 그렇게 할 수 없다는 것을 알고 있습니다. 불가능한 일이지요. 델러의 발언은 순진한 것이라고 생각합니다. 사진이 무엇인지 이해하고 있지 않습니다. 나는 전혀 그렇게 보지 않습니다. 사진은 더 긴 역사에서 보자면 일시적인 상황변화일 뿐입니다. 이제 그 변화는 끝나가고 있습니다. 사진이라고 생각했던 것으로부터 다시 회화로 돌아가고 있습니다.
..포토샵은 사진을 손질하기 위한 것이고 그 결과물은 모든 사람을 똑같아 보이게 만드는 저 따분한 잡지들입니다.. 이제 모든 것이 균일해지고 다듬어집니다. 어처구니 없는 것은 여섯 사람을 찍은 여섯 장의 사진이 있으면 그 사진들이 그 사람들을 모두 똑같이 표현하고 있다는 것입니다. 20년 후에 누군가가 그 사진들을 본다면, 누구인지 알 수 있을까요? 나는 심지어 지금도 못알아봅니다. 그런 사진들은 사람들에게 우리의 얄팍한 시대에 대해 말해줄 것입니다.
...사진이 비록 우리에게는 궁극적인 현실로 보인다 할지라도 사진 자체는 구식이 될 것이라고 생각해왔습니다.
..드로잉을 할 수 있다는 것은 사물들을 그럴듯한 공간에 배치할 수 있다는 것을 의미합니다. 드로잉을 잘하지 못하는 사람들은 바로 그런 일을 제대로 해내지 못합니다. 디지털로 수정한 사진들이 대개 그렇습니다. 그런 사진 속 공간은 그럴듯하지 않습니다. 디지털은 모든 것을 바꾸었습니다. 요즘 나는 그 출처가 무엇이든 어떤 종류의 사진도 믿을 필요가 없다고 생각합니다. 사진에 대한 특정한 종류의 언어가 있습니다. 그러나 컴퓨터로 그 모든 것을 조작할 수 있습니다. 소위 말하는 디지털 아트는 대부분 손을 사용하는 것을 부인하는데, 어쨌든 그리 흥미롭지 않습니다...고갱과 반 고흐는 다른 방식으로 세계를 바라보고 있었습니다. 그러나 그 이후로 사진이 지배하게 됩니다. 반 고흐는 사진 촬영을 위해 자세를 취하려 들지 않았습니다만, 그 이후로 다른 모든 예술가들을 찍은 사진이 존재합니다. 이는 예술가들이 사진가를 위해 포즈를 취해주었다는 것을 의미합니다. 그러나 반 고흐는 그렇게 하지 않았습니다. 그는 사진을 높이 평가하지 않았습니다. 내 추측으로는 그는 세계가 사진처럼 보인다고 생각하지 않았던 것 같습니다. 그 점에서 나는 그의 생각에 동의합니다. 그러나 대부분의 사람들은 그렇지 않습니다. 사진이 실제를 포착한다고 믿고 있지요. 사진은 실제를 조금은 포착하지만 그렇게 많이 포착해내지는 못합니다. 반 고흐는 그 점을 알고 있었습니다. 내가 보기에 반 고흐의 작품과 세잔의 작품이 세계를 보는 인간의 시각과 보다 가깝습니다. 세잔이 부그로가 정직하지 않다고 언급했을 떄, 그는 우리는 그런 식으로 보지 않는 다고 말한 것이 틀림없습니다. 우리는 대상의 위치를 의심하는, 보다 세잔적인 방식으로 봅니다.
From <photography and drawing>, Conversations with David Hockney, Martin Gayford
seeing 1
.. Presenting his first gallery exhibition in 1978 as an “installation” rather than as a photography show, Wall placed The Destroyed Room in the storefront window of the Nova Gallery, enclosing it in a plasterboard wall. Mimic[9] (1982) typifies Wall's cinematographic style. A 198 × 226 cm. colour transparency, it shows a white couple and an Asian man walking towards the camera. The sidewalk, flanked by parked cars and residential and light-industrial buildings, suggests a North American industrial suburb. The woman is wearing red shorts and a white top displaying her midriff; her bearded, unkempt boyfriend wears a denim vest. The Asian man is casual but well-dressed in comparison, in a collared shirt and slacks. As the couple overtake the man, the boyfriend makes an ambiguous but apparently obscene and racist gesture, holding his upraised middle finger close to the corner of his eye, "slanting" his eye in mockery of the Asian man's eyes. The picture resembles a candid shot that captures the moment and its implicit social tensions, but is actually a recreation of an exchange witnessed by the artist.
First shown at documenta 11, After “Invisible Man” by Ralph Ellison, the Preface (1999–2001) represents a well-known scene from Ellison’s classic novel. Wall’s version shows us the cellar room, “warm and full of light,” in which Ellison’s narrator lives, complete with its 1,369 lightbulbs.[10]
Picture for Women is a 142.5 × 204.5 cm cibachrome transparency mounted on a lightbox. Along with The Destroyed Room, Wall considers Picture for Women to be his first success in challenging photographic tradition. According to Tate Modern, this success allows Wall to reference “both popular culture (the illuminated signs of cinema and advertising hoardings) and the sense of scale he admires in classical painting. As three-dimensional objects, the lightboxes take on a sculptural presence, impacting on the viewer’s physical sense of orientation in relationship to the work.”[11]
There are two figures in the scene, Wall himself, and a woman looking into the camera. In a profile of Wall in the The New Republic, art critic Jed Perl describes Picture for Women as Wall's signature piece, "since it doubles as a portrait of the late-twentieth-century artist in his studio."[12] Art historian David Campany calls Picture for Women an important early work for Wall as it establishes central themes and motifs found in much of his later work.[13]
A response to Manet's Un bar aux Folies Bergère, the Tate Modern wall text for Picture of Women, from the 2005-2006 exhibition Jeff Wall Photographs 1978–2004, outlines the influence of Manet's painting:
In Manet’s painting, a barmaid gazes out of frame, observed by a shadowy male figure. The whole scene appears to be reflected in the mirror behind the bar, creating a complex web of viewpoints. Wall borrows the internal structure of the painting, and motifs such as the light bulbs that give it spatial depth. The figures are similarly reflected in a mirror, and the woman has the absorbed gaze and posture of Manet’s barmaid, while the man is the artist himself. Though issues of the male gaze, particularly the power relationship between male artist and female model, and the viewer’s role as onlooker, are implicit in Manet’s painting, Wall updates the theme by positioning the camera at the centre of the work, so that it captures the act of making the image (the scene reflected in the mirror) and, at the same time, looks straight out at us.
(http://en.wikipedia.org/wiki/Jeff_Wall)
Aug 13, 2014
<참여 디자인 Participate: Designing with User-generated content> _ Helen Armstrong and Zvezdana Stojmirovic
가장 훌륭한 참여 작업은 사용자가 기여하는 콘텐츠-시각적 혈태, 주제를 담은 내용, 물리적인 활동-를 받은 초기 형채보다 더욱 훌륭하게 변화시키는 것이다. 기존의 사용자 참여에 대한 답례가 대부분 금전적 보상으로 이뤄졌지만, 이제 디자이너들은 받은 콘텐츠를 훌륭하게 한 단계 올려놓음으로써 참여자에게 보답하고 작업에 가치를 부여한다.
..참여 디자이너들은 방관하지 않는다. 긎들은 무엇인가를 통합하고, 형성하여 사용자 콘텐츠를 배포하며, 자신들의 활동을 통해 사용자 커뮤니티를 형성한다. 12p
"가끔 나는 어떤 식으로든 무대를 만들고 질문을 던진 다음 사람들을 끌어들인다. 이것이 내가 사람들과 소통하는 대화 방식이다" 키트라 딘 딕슨, 2010
그리고 어쩌면 이상하게 들릴지도 모르겠지만 단지 재미를 이유로 프로젝트에 참여하는 대부분의 사용자가 오히려 참여 프로젝트에 더 많이 기여한다.이론학자 요차이 벤클러는 자신의 저서 <네트워크의 부>에서 '사람들이 금전적인 보상 없이도 콘텐츠를 창조하고 공유하는 데 ㅎ미을 쏟는 이유는 타인과 연결돼 있다는 심리적인 만족감을 느끼기 위해서'라고 주장했다. 즉 일반 대중은 커뮤니티를 만들고 스스로 무언가를 창조하는 것을 즐기기 때문에 공종 프로젝트에 참여한다는 것이다. 그 이유에 대해 벤클러는 다음과 같이 설명했다. "언젠가는 우리 모두에게 물질적인 욕구가 아닌, 사회적 심리적인 욕구를 충족하기 원하는 때가 올것이다. 사회적 심리적인 욕구는 사회적 생산물을 이용하는 우리의 삶과 동기 구조의 한 부분이며, 비록 힘들고 어려운 일이 될지라도 즐기려 한다." 결국 사람들은 만족을 느끼기 위해서 기여한다는 뜻이다. 17p
역사적으로 그래픽 디자인이라는 직종은 기업의 일방적인 메시지를 전달하는 데 그치는 비즈니스 모델에 의존해왔지만, 참여 디자인은 이러한 일방적인 독백을 함께하는 대화 형태로 바꿔놓았다. 문화비평가들은 이런 대화 형태가 권력 구조를 이용해 메시지를 통제하고 사람들을 조종하는 일을 어렵게 한다고 한다. 커뮤니티 안에서 개인이 내는 목소리는 다른 사람들과 연결되어 민주주의를 확고하게 표현하게 되며, 이로 인해 과거의 비즈니스 모델은 자신의 설 자리를 잃어간다. 25p
www.troika.uk.com /편안한 시위를 위한 도구 2006
www.arthouscoop.com / 예술기관 대항
www.eatock.com
"협업은 평등한 개입을 뜻하지만, 참여는 더 큰 무언가에 참가하는 일이다. 내가 맡는 역할은 작업을 선동하고, 가속도를 내게 돕는 일이다. 나는 편집자이자 큐레이터, 그 밖의 일들을 하지만 어떤 구성요소도 만들지 않는다. 이런 구성 요소들은 모두 자발적인 참여자들이 기여한다."
www.projectproject.com
www.collemcvoy.com
www.wefeelfine.org
"참여 프로젝트에서는 시스템과 툴을 적절하게 디자인하는 일이 가장 중요하다. 하지만 그 방법에 대해서 명확히 알려진 것은 없다." 애런 코블린, 2010
일반적으로 모듈화는 더 큰 시스템을 구성하는 단위나 모듈의 집합을 뜻한다. 그리고 이런 모듈은 구조적으로 독립을 이루는 동안은 계속해서 함께 작업될 수 있도록 처리된다. .. 첫째ㅡ 모듈화는 사용자가 콘텐츠를 기여할 수 있는 멀티유닛 디자인의 형태 구조를 나타내며, 모듈 시스템은 전통적이고 획일화된 솔루션의 대립 개념으로 간주한다. 두 번째는, 모듈화를 디자인 문제 해결을 위해 많은 사람들에게 확대시킬 수 있게 만드는, 인터넷의 분권화된 구조 위에 진행되는 창조 과정을 말한다. 49p
이 같은 모듈 시스템은 이미 정해진 구성 단위가 참여를 조절하는 방식을 갖는데, 이 방식의 문제점은 사용자가 구성 단위를 다양한 방식으로 재정렬할 수 있지만 그 결과물의 형식이 한정된다는 점이다. 마치 조립블록 '레고'처럼 만들 수 있는 형태는 많지만 최종 결과물은 결국 항상 레고처럼 보인다는 것이다. .. 하지만 현대 기술을 이용하면 이런 한계를 극복하는 유연하면서도 조정이 가능한 시스템을 만들 수 있다.
"모듈은 '나쁜 건 어렵고 좋은 건 쉽게 만드는 비율의 규모'이다" 알베르트 아인슈타인
50p
www.graphicthoughtfacility.com / MEBOX
www.brettyasko.com /마켓스퀘어, 보행자 대화 듣고 2시간마다 교체설치
거미줄처럼 서로 연결되어 분포되는 웹의 특징은 모듈화를 가능하게 하고, 프로젝트들은 랩톱과 모바일 기기를 이용하는 수많은 사람들에 의해 일제히 진행된다. 이처럼 모든 곳에 동시에 존재하며, 유연성을 띠는 노동력은 프로젝트가 갖는 시공간적인 제약을 없앤다. 여기에 사람들은 자신의 역량에 ㄷ맞게 작업이 가능하기 때문에 모든 참여자가 숙력된 기술자가 될 필요가 없다. 그 대신 모든 사용자는 서로 머리를 맞댄 결과 혜택을 얻는다. 이러한 지식의 집합체들은 자원의 공유속에서 종합정보 공유information commons를 드러내 보인다.
요차이 벤클러는 또래 집단 생산이 갖는 특징인 분권화와 이를 지원하는 정보의 광장에 대해 "조직적인 생산에서 새로운 모듈화는 철저하게 분권되고 서로 협업하며 비독점적인 특성을 가진다. 또 자원을 공유하며, 폭넓은 기여에서 나오는 결과물을 바탕으로 시장의 신호나 관리 명령에 의존하지 않고 서로 협업하는 개인들을 자유롭게 연결한다"라고 묘사한다.57p
www.mturk.com
www.blog.linkedbyair.net / 예일대 미대 웹사이트 모듈식wiki로 제작
www.aaronkoblin.com
"모듈화는 많은 사람들과 작업하는 데 가장 핵심이 되는 사항이다. 업무가 신중한 단계로 나눠지고 도구들이 특별한 요소로 조립될 때 대규모의 시스템이 가능해진다. 내가 컴퓨터에 빠져드는 이유는 간단한 지시사항을 신속한 관리와 반복을 통해 정교하고 거대한 결과로 바꿔놓는 능력 때문이다. 나는 작업을 할 때, 부분적인 요소들의 집합보다 더 큰 무엇인가를 만들기 위해 복잡한 사용자 콘텐츠들을 한 데 묶고 모으는 산단한 시스템을 만든다."
"프로젝트마다 크고 작은 조율을 해왔다. 각 프로젝트마다 절차상 결정의 교차점에 기반을 두는 '스위트 스폿'이 있다. 각기 다른 결정은 다른 서술을 가져온다. 나는 항상 이 점을 의식했다. 프로젝트 방식이 말하고자 하는 것은 무엇인가? 이런 선택에 의해 기여는 어떤 영향을 받을까? 사람들은 전체 작업 과정에 대해 어떻게 이야기할까? 나는 다른 사람들처럼 새로운 경험이 가능하며, 내 자신보다 더 큰 프로젝트에 관한 작업을 하기 좋아한다. 내가 영향을 미칠 수 있는 반면에 조정은 불가능하다."
Golan Levin, Zach Lieberman, Ben Fry
www.jonathanpuckey.com
"...어떤 일이 잘 진행될지 안될지는 전혀 확신할 수 없다. 무슨 일이 어떻게 벌어질지 모르기 때문에 준비해야하며 이런 예측 불가능함이 멋진 것이다. 책을 디자인한 후 인쇄된 책은 기대했던 형태와 완전히 다르다. 당신은 실수를 찾으려는 경향이 있다. 당신은 당신이 만든 개체와 연관될 수 있어도 그 이상은 될 수 없다. 나는 내가 완벽하게 통제할 수 없는 프로젝트를 창조하는 일을 즐긴다. .. 외부에서 처리할 수 있도록 열린 프로젝트를 선택하고 외부의 투입으로 작동될 변수를 디자인한다. 그러면 사람들이 실제로 당신이 제공한 시스템을 이용해 어떻게 상호 교류하고, 이용하며, 시스템이 지난 한계에 맞서 싸우는지 알게된다."
예술가는 다른 이들의 노동력을 이용하는 가운데, 프로젝트마다 핵심 역할을 수행한다. 그리고 어떤 작품도 그가 제시하는 주제와 관리가 가능한 매력적인 모듈 시스템, 전체 프로젝트에 대한 홍보, 최종 편집 등이 없이는 결말을 맺지 못한다. 애런코블린이 참여 세계에서 디자이너에게 도발적인 역할을 제안했듯이 창조적인 전문가들은 리더이며 교육자로서 다른 이들의 작업을 가능하게 하며, 좀 더 큰 목표속에 사람들을 연결시켜 창조성을 끌어올린다. 어떤 면에서 애런 코블린은 크게는 숙련되지 않은 힘의 원천이며, 다른 이들과 권한을 나눠 가지는 크리에이티브 디렉터의 역할을 맡는다.60p
"만약 대가 없는 기부를 행한다면 당신의 작품과 명성에 더 보탬이 되고 많은 사람들이 그 작품에 다가갈 수 있게 된다." 카스텐 슈미트, 2010, 61p
www.typotheque.com/fonts/history
디자이너는 개인에게 네트워크로, 하나의 인공물에서 시스템의 생성으로, 기업 마크에서 유연한 아이덴티티로 옮겨가는 기념비적인 이동을 두려워해선 안된다.92p
www.wolffolins.com 이제 우코리
"브랜드는 더이상 마케팅 메시지로 자신의 위치를 지키거나 방어할 수 없게 됐다. 소비자들이 메시지를 찾아다니기 때문이다. 브랜드는 사람들의 생활 속에서 활동적이고 유용한 역할을 정해야한다. 그리고 이를 알기 위해서 사람들이 하고자 하는 일이 무엇인지 알고 실행하게끔 만들어야 한다. 지난 10년 동안 부흥했던 브랜드는 주로 사용자들이 개발하고 전파한 브랜드였다."
www.walkerart.org
www.posttypography.com
www.spoonflower.com /직물인쇄서비스
Subscribe to:
Posts (Atom)